THOMAS HAMPSON, LO MEJOR DE LOS DOS MUNDOS – Entrevista año 2002

Dueño de un repertorio monumental, el más relevante y polifacético barítono americano retorna a la NWS para otro programa Mahler. Creció en Spokane y está considerado el sucesor del alemán Dietrich Fischer-Dieskau, el coloso intelectual de de los cantantes del siglo XX. Aconsejado por la célebre Elisabeth Schwarzkopf marchó a Europa donde se consagró en oratorio, ópera y Lieder(canciones). Detrás de ésta voz imponente emerge una enciclopédica ilustración y un infatigable investigador que en notables ensayos y emprendimientos se revela como un pensador capaz de sintetizar dos mundos, el americano y el europeo.

Una inolvidable Masterclass con la NWS-a quienes desafió a cantar con sus instrumentos para deslumbrarlos con un universo de connotaciones filosóficas-motivó la charla con este artista paradigmático que contagia su compromiso y pasión por lo que hace.

En “media carrera” ya podría hacer un balance?

Sí. Mucha experiencia y menos energía!. No me quejo, ahora canto mejor. Un cantante a los 40 es más interesante que a los 20. Sé distribuir mi tiempo, dosificar ópera y recital. Soy muy selectivo, no quiero confundir ni confundirme. Respeto la necesidad de vender discos pero hay una línea que no debe cruzarse, no debemos abaratarnos porque necesitamos audiencias. Me preocupa la disminución o estandarización del repertorio y apoyo los teatros que se arriesgan.

Cómo se siente viviendo en Europa?

Tengo lo mejor de ambos mundos. Compruebo mi profunda identificación con Europa y al no estar atado a ideas preconcebidas ni paralizado por el peso del pasado siento la liberación de ser americano. Mi alma está cerca de lo viejo pero mi mente es moderna y necesita innovar. No obstante, me sorprende que el motor fundamental de la esencia americana esté, ensombrecido por la definición del pop, basado en la celebridad y el cliché. Quizá pronto rechacemos tanto vacío y exceso para volver a la esencia. Si un precepto básico de la democracia es la confianza, no podemos traicionarla en nombre de la información o su manipulación.

Su CD con canciones sobre textos de Walt Whitman es revelador

La poesía refleja la condición humana y si le agregamos música el producto es incomparable. Con su audacia visionaria, Whitman nos alerta sobre el miedo a ser diferentes. En su captación de las fantásticas posibilidades y dilemas que propone y desata el Nuevo Mundo. En el horror del racismo. Horror que no es la acusación por pertenecer a una cultura diferente sino el miedo a ofender porque ignoramos las diferencias. Whitman alcanza la compasión logrando entendimiento entre seres que tuvieron diferentes puntos de partida.

Y la lección que ofrece el pasado?

Soy un adicto a la historia, el único modo de entender ese”tapiz”que me formó. No podemos entusiasmarnos con el futuro sin entender quiénes somos. Siento la responsabilidad de hacer ver que no somos únicos, que tenemos sentimientos similares. La historia colectiva es la misma, la situación cambia y nos hace únicos. El romanticismo alemán brinda un mundo de alegorías y metáforas sin el que no hubiésemos tenido ni a los surrealistas del siglo XX o el arte psicodélico. En términos poéticos, planteó relaciones extremas. En América, Stephen Foster capturó la esencia del pionero. Hombres en un lugar ajeno del que provenían y donde una melancólica canción era la única fuente de esperanza y desahogo. Esa es la historia de la canción per se, es el arte más inherente a la condición humana.

Cómo se interpreta un Lied?

Desde lo narrativo, sin importar lengua o época. Me fascinan Heine, Goethe y su vivencia histórica. Goethe, con toda su ilustración clásica, fue un hombre del Renacimiento, mas cerca del siglo XVI que con el que vivió. De allí su condena a aspectos del romanticismo que consideraba superficiales. Heine fue la excepción. Si como intérprete entiendo esa realidad puedo intentar transmitírsela al público. No quiero decirle qué debe pensar sino que escuchen y saquen conclusiones. Debo abrirles la puerta a la imaginación, ser el vehiculo. Cantar es aunar poesía con música y entonces prima la musica dopo la parola es una suerte de anagrama. No hay dominación sino diálogo. El mensaje musical siempre está entrelíneas y busco encontrar el punto medio.

En su segunda grabación de Amor de Poeta[Schumann] presentó la edición de 1840

Porque se ve mejor el diálogo entre Schumann y Heine y prueba cuánto se equivocan quienes alegan que Schumann-el más literario de los músicos-no captaba la ironía del poeta. Detesto esos pronunciamientos que exhiben la arrogancia del siglo XX. Por demostrar cuán brillantes somos, estamos dispuestos a renegar de las conclusiones de la investigación pasada?. En vez de comprender la perspectiva total que nos lega la civilización, estamos detrás de un juego personal. Eso es arrogancia. Cómo se atreven a preguntar que importancia tiene Schubert para nuestra época!. En todo caso, sería qué importancia tenemos nosotros en comparación con Schubert. Es nuestro desafío, no el de Schubert.

Qué directores marcaron hitos en su carrera?

Puede variar el enfoque pero si el amor por digamos, Mozart, es el mismo no existen diferencias entre Muti, Levine, Abbado o Harnoncourt, hombre íntegro de quien amo su pasión por la verdad en música. Claro, Lenny Bernstein fue el profeta que aunó la experiencia de todos. Su fraseo, su inteligencia, su conexión con Mahler…era mágico!. Con MTT me sucede algo parecido.

El mejor consejo de Elisabeth Schwarzkopf?

“Nunca emitas antes de abrir la boca un sonido que no hayas escuchado”. Si no escuchamos lo que cantamos estamos perdidos. No debe confundirse espontaneidad con casualidad o preocuparnos por explotar lo fortuito en vez de entregar una lectura veraz. La generación actual es algo injusta al criticar los presuntos preciosismos de Schwarzkopf o Fischer Dieskau. No saben escucharlos, es insultante!. Fischer Dieskau fue uno de los cinco más grandes cantantes del siglo XX, le debemos tanto!.

Dónde está el límite para no sonar amanerado?

Si éste existe, está marcado por la vivencia del espectador. Si tuvo un mal día, el cantante puede sonarle amanerado y viceversa. El problema con la descripción de la experiencia artística es que incluso la crítica constructiva es opuesta a la esencia del proceso creativo, un proceso flexible de crecimiento y maduración como la vida. Perdemos tiempo analizando cómo se presentó algo en vez de concentrarnos en lo que se presentó. Y perjudicamos al público. Si alguien no capta mi mensaje, no es mi problema ni el del crítico. El esfuerzo debe venir del otro lado: se puede llevar el caballo al rio pero no obligarlo a beber.

La versatilidad idiomática es otro de sus fuertes

Quiero perfeccionar mi francés porque amo Baudelaire y la ópera francesa. Me costó aprender Onegin en ruso, a diferencia del polaco, es un idioma tan musical!. Desafortunadamente los cantantes hoy somos vigilados por “policias de la dicción” que asedian nuestras carrreras y la expresión del alma no es sólo la articulación de las palabras. Es gracioso que yo lo diga, un obseso con la pronunciación; pero hay un límite para todo. Se trata de la liberación de la emoción-cerebro y corazón abocados a materializar el alma- y no al revés.

Ha cambiado el entrenamiento vocal?

Como en todo, hay modas. Antes primaba la resistencia, hoy se preocupan en el soporte. No concuerdo con quienes favorecen un canto estentóreo. No tiene sentido separar el sonido de la palabra, símbolo del pensamiento. Debemos cuidar que la industria discográfica no condicione la libertad del sonido. Nuestra cultura está dominada por la técnica y tendremos que optar por registrar la voz o un fenómeno acústico. Debe primar la medida humana y los artistas debemos salir a defender la fantasía del público, para que no le dicten cómo reaccionar o pensar.

Grabó el Wintersturme de Siegmund[La Walkiria] cantará ese rol para tenor ?

Fue un experimento divertido, quizá algún día!. En Europa, en teatros más íntimos canto Wolfram y Amfortas. Mi voz todavía es lírica pero tiene posibilidades dramáticas. Adoro la descripción de Leontyne Price: ‘Soy una lirica jugosa”. Aparte de Germont y Posa, Verdi me ocupa con Macbeth, Boccanegra y algún día Falstaff y Jago…Mi último gran desafio fue Doktor Faust [Busoni] no puedo describir lo fascinante que fue encarnarlo y retornarlo al mapa operístico, una obra maravillosa!.

Alguna canción logra conmoverlo?

Hard Times de Stephen Foster, refleja como pocas el dolor de vivir en el siglo XIX.

Se emociona cantando canciones muy dramáticas?

No, porque para transmitir un mensaje se hacen elecciones específicas. Y sin embargo, soy un cantante emocional que no quiere describir emociones sino cantar con la corazón cálido y la cabeza fría. Por ejemplo, Me he apartado del mundo, la más bella canción de Mahler, no es desoladora, la traducen he renunciado y el significado es ya no dependo del mundo, es realización espiritual

Prefiere a Mahler con piano o en versión orquestal?

Son propuestas diferentes. Algunas canciones son, otras se convierten en orquestales. Aparte de su genial orquestación, lo fundamental es el ritmo. Me fascina la juxtaposición de ritmos sincopados para ilustrar una realidad. En cambio, en la despedida [La canción de la tierra], no libera ese ritmo sino que explora la trascendencia de una pausa estable hasta llegar a la más pasmosa simplicidad.

Una simplicidad…… azul?

Exacto!. Si fuese pintor la pintaría azul…..

 

 

Entrevista publicada en la REVISTA CLASICA, Buenos Aires, 2002.

Más información, ensayos, crítica y material biográfico:

www.thomashampson.com

www.hampsongfoundation.org

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