Renata Scotto no duerme en sus laureles (2007)
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En tributo a Renata Scotto, mi entrevista del año 2007 publicada en El Nuevo Herald de Miami
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Su nombre es sinónimo de »bel canto» italiano. Su exquisita Amina la hizo célebre de la noche a la mañana y, a través de cincuenta años, permanece como indómito baluarte de un estilo donde es referencia ineludible. En Miami, la legendaria Renata Scotto dirige La Sonámbula de Bellini que la consagró como soprano. Con el mismo afán perfeccionista de antaño, la flamante ganadora del Premio Opera News irradia una vitalidad efervescente que contagia con la frescura y sencillez propia de los grandes. Está claro que para Scotto, dormirse en los laureles no figura en sus planes y el sonambulismo, sólo cabe en escena.
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¿Cómo recuerda su consagración en Edimburgo al reemplazar a Maria Callas?
Como la oportunidad esperada en un papel justo para mí y dirigida por el magistral Antonino Votto. Aprendí la ópera en una semana pero, su preparación fue invaluable. La recepción fue extraordinaria. Era la gira de la Scala, toda Italia estaba pendiente y me abrió las puertas del mundo a los 22 años. Moraleja: estar siempre preparado, porque la oportunidad puede llegar sin aviso y definir un magnífico comienzo o un desastre.
¿Tuvo miedo?
¡Nada!, la escena es mi casa y cantar es dar, es para los demás, nunca canté para mí. Ya a los seis años trepaba al balcón a cantarle a los vecinos, y luego desde mi ventana cantaba a los transeúntes las canciones popularizadas por Gigli y Schipa. Después, me deslumbré viendo a Tito Gobbi en Rigoletto y decidí mi vocación.
¿Cómo define a Bellini?Como el primer compositor romántico con un estilo que se acerca a la medida humana, alejándose de lo mitológico, hasta entonces la temática central de la ópera. Bellini me despertó el ansia por captar la esencia del bel canto romántico; por cultivar el estilo e instrumentar su conexión con Verdi y el verismo. Influenciado por Mozart, usó la voz como instrumento. Si Donizetti fue el gran maestro y Rossini un comediante brillante, Bellini fue el precursor. Además, Bellini anuncia a Chopin, quien heredó sus rubatos y cadencias.
¿Algún favorito belliniano?
Canté Sonámbula, Norma, Los Puritanos, Capuletos y Montescos, Zaira y La Extranjera; lamentablemente no canté Beatriz de Tenda, ni El pirata, que luego dirigí. Cuando todo está al servicio del personaje no hay favoritos, son como hijos.
¿Y Amina?
Encarna la exquisitez poética de la melodía belliniana. Es una joyita. La canté por toda Italia y todo el mundo ¡y tantas veces con Alfredo Kraus! Cuando cantamos en Turín, tuvo un pequeño accidente y no pudo llegar a tiempo. Público y elenco debimos esperarlo casi una hora. Fue comiquísimo porque justo Elvino entra cantando »Perdonen, mi breve retraso». ¡Estallamos en carcajadas!
¿Cambia la perspectiva al dirigir?
Empiezo de cero. Ya no son más mis partenaires, todos los personajes son iguales, cada uno con su mundo. Aquí tengo una ventaja sobre otros directores: conozco la obra mejor que nadie y sé lo que espera la audiencia. Esta música es parte de mí y sé bien como traducirla.
Interpretativamente favorece el “staccato en legato”[separado pero unido] para usar menos efectos melodramáticos y mantener la tensión emocional?
Cantar Staccato-legato es difícilisimo. Verdi, por ejemplo, escribió legatos con muchos puntos. Significado? que la frase se canta “ligada” pero con acentos precisos. A cada palabra corresponde una expresión. Requiere total control de la respiración para sostener frases larguísimas que no deben cortarse, son la esencia. Desde allí se controla la emoción, permitiendo que surja la tensión dramática. Siempre cuidando que cada vocal suene redonda….”mórbida”..insisto mucho en esto y no es fácil para el cantante no italiano.
La música también dicta el movimiento escénico?
La música es todo!. Las palabras liberan la música, la hacen fácil de cantar, atraen la emoción. Claro que hay que saber cómo, con la voz que es el instrumento más perfecto. Mi maestra la comparaba con una flauta. Mi marido [el violinista Lorenzo Anselmi] completó la idea diciéndome”una flauta con alma de violín, para darle expresión.
Donde termina el virtuosismo y empieza el amaneramiento?
En la indulgencia, al creerse demasiado bueno. Ahi se acabó la verdad, lo real!. Siempre“menos..es más”.
Las modernas producciones europeas(“ Eurotrash”) ponen en peligro el género lírico?“No, pero tampoco le hacen bien. Son modas. El peligro verdadero es la falta de dinero para el arte, los cortes de presupuesto, el no pensar en la cultura y el legado a las generaciones futuras. Debe entenderse de una vez y para siempre que sin cultura no somos….nada.”
Muchos nuevos directores »radicales» no saben música.
¡Peor! ¡Ni siquiera les gusta! La música no les importa, sólo »su concepto». Y el concepto debe nacer de la música, jamás al revés. El buen gusto debe primar para realzar la nobleza de éste género único que combina todas las artes.
Es el compositor el mejor de los maestros?
Absolutamente!. Especialmente si tomamos en cuenta de Verdi en adelante y lo que resta del fin del siglo XIX. Todo esta en la partitura, cada detalle indicado, lo que ayuda enormemente al interprete. Estos compositores sabian perfectamente lo que querian y como comunicarlo, sin dejar nada al azar: crescendos, diminuendos, pianissimos, etc. Puccini compone con palabras y luego musica, mientras que para Verdi, Donizetti y Bellini-y hasta Mozart-la musica esta, podriamos decir, primero. Es mas facil seguir a Mozart con todas sus indicaciones en la frase que se esta cantando desde la orquesta. Sintetizando, como interprete yo puedo colorear el dibujo, pero debo atenerme estrictamente al dibujo del compositor.
Podriamos decir entonces que cantar es como pintar?
Exacto!. Cantar ES pintar con la voz. Es una imagen que pido a mis alumnos que visualicen, que tengan siempre presente: cuando cantes, pinta!. En cada una de mis Butterfly no hice otra cosa que pintar con mi voz todos los matices de un personaje tan sutil y al mismo tiempo, tan resistente. Si en una partitura esta marcado un staccato y un sforzando, cuando la intencion es dar una fuerte impresion, por que arruinar el dibujo con una coda o un adorno que no esta escrito?. Si se quiere lograr un efecto vocal fuerte, el color debe aplicarse con pinceladas grandes. El caso contrario seria Casta Diva [Norma]donde se puede pensar en evocar el mas delicado dibujo de Leonardo. Aqui el color seria un blanco palido tornandose suavemente hacia el plateado. En cambio, con Puccini es mas facil, esta menos librado a la imaginacion porque como dije, todo esta indicado.
¿Cuál es la situación actual del canto?
Hay voces bellísimas pero, muchos cantantes no tienen una idea clara sobre repertorios. Quieren hacer todo a la vez. Antes nos protegían los directores, directamente no nos dejaban. Hoy reina el agente y cuantos más contratos, mejor. No los dejan madurar naturalmente. Se extrañan aquellos maestros que acompañaban durante todo el proceso. Hoy nadie tiene tiempo para conocerse.
Los directores de orquestas son conscientes de la fragilidad del instrumento vocal?
Los buenos si!…Aquellos que entienden el lado humano , a los que solo les importan los instrumentos de la orquesta, no. El cantante debe tener tanto cuidado cuando pide un cambio a un director. No se puede exigir, la unica manera es hacerlo comprender las necesidades vocales individuales. Si es un gran director, estara feliz de acceder y experimentar. Si no lo es, ni se debe malgastar el tiempo!. Yo tuve la fortuna de trabajar con los maestros …. Antonino Votto o Gianandrea Gavazzeni que fue como un padre para mi; el me enseño todo lo que se, desde la importancia y la construccion del caracter a traves de las palabras hasta como pronunciarlas para lograr mayor efecto… La colaboracion con Levine fue extraordinaria, como tambien la que tuve con Lorin Maazel. En un lugar especial ubico a Karajan. Una experiencia breve pero importante. El hablaba poco, lo dejaba todo librado al cantante y al mismo tiempo se anticipaba a lo que uno iba a hacer. Ese es un sello de grandeza: cuando un director sabe lo que el cantante va a hacer antes de abrir la boca…y desde ya, Riccardo Muti!. El quiso que cantara Lady Macbeth y me guio a traves de ese papel tan fascinante….alli si que hay que actuar!. Si se tiene la voz entrenada, respaldada por la tecnica, si se dominan esos aspectos, entonces uno puede lanzarse a actuar, que es lo que hice y me deparo el disfrute mas absoluto. Podria afirmar que desde todo punto de vista, fue el mas interesante personaje de mi carrera.
Su consejo para las audiencias jovenes?
Ante todo, les diria que no se dejen engañar por el brillo de una grabacion. Que vayan al teatro, a ver lo que sucede en vivo, con todas sus imperfecciones. Opera no es un producto enlatado sino TEATRO. Y en el teatro sucede la verdadera educacion del espectador, nunca a traves de los discos, que por supuesto son un complemento maravilloso pero que no dejan de ser discos. Hay peligrosas tendencias de mercado que quieren desviar al publico haciendoles creer que es otro el camino a seguir, deformandoles el gusto con propuestas faciles y artificiales pero si van al teatro, alli esta la verdad, alli no hay engaños, alli esta la medida humana.
Y para los jovenes cantantes?
No solo el estudio completo del que hemos hablado sino tampoco menospreciar la influencia del cine y los medios en el publico. Hoy en dia, quien va a la opera tambien ve cine y television y por lo tanto quiere ver cantantes que luzcan esbeltos como las estrellas de cine. Hace muchos años, yo me puse a dieta y perdi mas de veinte kilos, y no por eso perdi la voz; eso es un mito o… una simple justificacion para no hacer dieta!.
De sus personajes cual se parece más a Renata Scotto?
Ninguno. La posibilidad de transformarse en otro es lo fascinante. Como dice Adriana Lecouvreur “Recitar la verdad, pero…recitarla”. Uno no se vuelve el personaje, lo actúa. Una vez me torcí un tobillo, no podía caminar y esa noche debía cantar Lady Macbeth. Lo aproveché, fue la primera Lady Macbeth renga, fue una reina diferente!.
